/ por Arturo Caballero /
Con tres años recién cumplidos y después de sortear un golpe de estado, la Constitución del 78 abrió la puerta, por fin, a una normalidad democrática que era, de alguna forma, el equivalente a lo que la economía llevaba haciendo, con mejor o peor tino, desde los años sesenta del siglo XX. Pero había muchas otras cosas que normalizar y modernizar. Aunque las Exposiciones Nacionales de Bellas Artes se habían extinguido en 1968, España seguía anclada en una estructura cultural alejada de las prácticas comunes en otros países. La aparición de Arco, promovida como una feria de galerías por Juana de Aizpuru, suponía —aunque muchas veces en la adquisición de obras ha intervenido el dinero público— un intento de convertir la compra de arte en una actividad más de la economía capitalista. Y para la que no era necesario ocultarse; es más, podía incluso ser de buen tono realizar ostentación de ello.
Así que, estrenado 1982, fui a Arco por vez primera en un ritual que se ha repetido año tras año, con puntuales y mínimas ausencias, a lo largo de estos cuarenta. El retorno esta vez ha sido especial. Ni momento, ni lugar, ni artistas, ni galerías, ni yo, por supuesto, somos idénticos. El año pasado, con la pandemia ya expandiéndose, pero sin que fuésemos conscientes de lo que iba a ocurrir, disfruté con mis alumnos del último atisbo de normalidad. Hoy, retrasada la feria un trimestre, aún ni nos hemos instalado en la nueva. Tendemos a considerar nuestra visión de la existencia con una unidad, con una coherencia que probablemente nunca ha tenido. Nuestra vida y la de los demás son como ríos con cauces que unas veces se manifiestan paralelos y otras divergen hasta perderse de vista para acercarse y separase en permanentes meandros. También pueden llegar a mezclarse y de ahí hacia el todo, o hacia la nada, según. Es probable que las transformaciones sociales y culturales proporcionen la trama entrelazada sobre la urdimbre de la economía en la que la propia vida que se nos escapa momento a momento, lo que bien podría suponer simples puntadas más o menos discontinuas sobre el tapiz amablemente coloreado, en este caso, de estos cuatro decenios de realidad. Es teniendo en cuenta esta perspectiva desde donde uno debe establecer las relaciones entre la persistencia y el cambio.
La pervivencia se basa en el registro, edición tras edición, de unas imágenes que, al final, han constituido una de las fuentes primarias de Arte y perversión. La mirada de cada uno es propia e intransferible y nunca es neutral. Lo que refiramos de Arco, de este o de cualquier otro, tiene que ver (y aquí viene el cambio) con lo que fuimos y cómo nos sentimos en aquel momento concreto. Pero también con nuestro nivel de conocimiento y de nuestros gustos, que no siempre han sido los mismos. Incluso con nuestro humor. Y, por supuesto, con si vamos a comprar o simplemente somos unos visitantes profesionales o curiosos. Cuando los tiempos históricos se movían con una cadencia más lenta que hoy, era posible que una obra teórica pudiese mostrar una coherencia de la que ahora no podemos presumir. No obstante, hay ritmos que machaconamente se repiten (con variaciones, eso sí) durante épocas como esta de posmodernidad que unas veces hemos sufrido y otras hemos disfrutado. Me interesaba ver si los capítulos en los que organizaba el libro recién llegado a las librerías pasaban, en 2021, la prueba del nueve en una feria con dimensiones más modestas que años anteriores. Y que se publicitaba especialmente sensible ante tres temas: la contracción económica provocada por esta interminable peste, la apertura hacia nuevas técnicas y nuevas formas de comercialización y el empoderamiento femenino. Para no alargar en demasía estos aspectos excesivamente personales, puedo decir que sí; que lo plasmado en el libro, en esencia, puede ser considerado como una enumeración de síntomas que configuran, en parte, un diagnóstico aproximado del estado de nuestra cultura actual. Y entendiendo este término no en un sentido estrecho, sino en uno todo lo amplísimo que queramos.
Sin embargo, no se nos pueden ocultar otros cambios que van más allá de lo personal.
Que Arco 2021 ha moderado sus propuestas plásticas desde el punto de vista ideológico ha sido leitmotiv en todos los medios de comunicación. Y resultaba evidente. Y en numerosos aspectos.
Es verdad que nunca acabamos de sacudirnos el pelo de la dehesa y que la actualidad política ha supuesto un reclamo permanente en unas obras de arte pensadas más como un arma arrojadiza que un instrumento de transformación de la realidad. Allá cada uno con sus gustos y sus motivaciones. A este respecto resulta claro un cierto paso atrás. No ha desparecido del todo el arte combativo de un Avelino Sala, un Eugenio Merino (ambos en la Galería ADN) o un Santiago Sierra (Galería Helga de Alvear), pero el mensaje adopta formas genéricas y rehúye la apelación directa. Podemos discutir lo que queramos sobre la capacidad de las artes plásticas en el mundo actual no para mover conciencias (es fácil acceder visualmente a los resortes del sentimiento), sino para transformar mentalidades. Y si ello es posible (y no pretendo ahondar en la polémica), es más fácil que lo haga despojándose del detalle para convertirse en símbolo. Claro que esta cualidad no es propia de la voluntad del artista, sino de lo que pongamos los demás en ella. Valga esto para la versión del Guernica de Ibarrola, alegato en su tiempo a favor del retorno de la obra de Picasso al País Vasco y no a Madrid, y las xilografías que constituían un correlato parejo a los bocetos del cuadro original (que guardan más semejanzas con las deplorables Matanzas de Corea que con el modelo propuesto) en las que son reconocibles fácilmente guardias civiles y grises. Resulta que, al final, para recrear un Tiziano, pongamos por caso, quizá resulte necesario ser un Rubens. Si tuviese que elegir una obra de este género político-social (como la brigada de mis tiempos mozos), me quedaría con la desesperanzadora instalación de Maja Bajevic Women at Work – Washing Up, de 2001, que recoge una performance de cinco días en la que, lavado tras lavado, cinco mujeres hacen desaparecer las proféticas palabras de Tito «vivimos como si hubiera paz durante cien años, pero nos preparamos como si hubiera guerra mañana».
A falta de potente artillería (esta que referimos es ligera) las galerías presentes en Arco, como si se tratasen de acomodaticios gattamelatas, se han volcado en los aspectos más relacionados con la «pura visualidad», si se nos permite este recuerdo un poco traído por los pelos a Konrad Fiedler, que en aquellos otros que pueden considerarse vehículo para la transmisión de otra ideología que no sea la suya propia. Porque de la ideología subyacente nadie puede librarse. Y hay numerosos y hasta excelentes ejemplos tanto del arte de los ochenta y noventa como de las nuevas generaciones. Valgan como muestra un colorista paisaje de Alfonso Albacete (Galería Marlborough) y Hoja verso 2020 de Belén Rodríguez, finalista del premio Alhambra, en la que se aúnan lo teórico (indagación respecto al origen y producción de tintes) con lo más exquisitamente formalista. Hablar de las infinitas variantes de arte abstracto en su vertiente geométrica, expresionista, lírica, etcétera, etcétera, etcétera, apenas tiene sentido. Por destacar algo, me llamó la atención el aparentemente tierno trabajo, como recién pintado, de Markus Linnenbrink, inspirado en Morris Louis, en la galería Max Estrella.
El arte realizado por mujeres, a pesar de la enorme diferencia cuantitativa con que se muestra aún el hecho por hombres, hace tiempo que ha dejado de ser lluvia fina y, ahora mismo, adquiere las características de chaparrón. Es muy probable que vaya a más. Y ojalá lo sea por las propias cualidades plásticas y por su posicionamiento en el mercado y no imposición de cuotas, como parece que se está reclamando en algunos foros. Había arte trivial, como el de María María Acha-Kutscher, de inspiración pop, que para mí suponía un retroceso respecto a las series de imágenes fotográficas mostradas el año pasado. También con ecos pop, pero de una divertida ironía era el de Marinella Senatore (ambos en ADN). En cualquier caso, prefiero una obra de rabiosa brutalidad, no exenta de complejidad conceptual y de interpretación psicoanalítica, como El origen del mal, de Mónica Bonvicini (Galería Peter Kilchmann), que cuestiona la sexualidad masculina a través de flácidos falos usando como recurso a Duchamp y a Baudelaire. Junto a ellas los delicados trabajos de Carmen Laffón (Galería Leandro Navarro) o Soledad Sevilla (stand de El Mundo), tan admirados por el público más conservador, parecían preservar los aromas estéticos, y también defender los valores plásticos, de tiempos pasados. Y más cuando un notable grupo de mujeres se ha inclinado por la utilización de todas esas manifestaciones que denominamos bajo el calificativo de arte de la idea, que, desde su eclosión en los sesenta y su aparente retroceso en los ochenta, han reverdecido en los últimos decenios.
No soy capaz de precisar hasta qué punto la caricatura tiene en el mundo de la imagen el mismo poder que en la literatura. Parece que esta incierta y descreída época nuestra, liberada del rigor doctrinal del movimiento moderno, se recrea en la ironía (me remito a Idilio n.º 5, de la serie La tierra fecunda, trabajo de Ariel Cabrera en la galería El Apartamento) y en el escaso respeto por los productos ajenos. El apropiacionismo explícito o latente lo impregna todo. Incluso obras aparentemente comerciales (perdón, ¿no se trata de una feria?) como Celeste (fumando) de Hans Op de Beeck en la galería Krinzinger de Viena me remitía a las perversas muñecas de Hans Bellmer, pero, tratándose de una pieza articulada y haciendo gala de ello, posee un hipnótico y sensual atractivo y más si se visualiza en contraste con la patética Piedad de Marina Abramović. La disposición de las piezas —y más cuando en sí mismas no tienen mucho que decir— no deja de ser todo un arte. Y quizá por vez primera se hace un juego y una burla conceptual del asunto por parte de la galería L21 de Palma de Mallorca y ¡ojo!, en sus heterogéneos estantes —que me recordaron una instalación de Yan Lei en la penúltima Documenta— hay, junto a auténticas provocaciones gamberras, obras de un aceptable valor decorativo.
Claro que — se me dirá — lo decorativo no tiene nada que ver con el arte. Y yo voy y me lo creo y rectifico. Pero vienen a mi memoria ciertas palabras de Matisse, o veo los cuadros impresionistas, o paseo simplemente por los pabellones 7 y 9, y lo dejo como estaba. Y vuelvo a un planteamiento ya expresado, pero ahora de forma más nítida: generalmente se nos olvida que la misión de una feria es vender la obra de sus artistas. Y lo decía sin recato (y bien está que así sea) otra artista emergente de mi tierra, Esther Gatón, autora de Un Martillo Viene Hacia Tí (Cibrian Gallery). Muchas veces pretendemos que los artistas (que tienen la mala costumbre de comer, al menos, tres veces al día y que deben hacerse cargo de otras necesidades, como los demás) transmitan plásticamente a través de sus variadas poéticas las nuestras, y digo nuestras porque no solo hay una. Y además sin que seamos compradores habituales.
Tiempos difíciles para una actividad que, como ya he dicho en otras ocasiones, sigue los ritmos vitales de la primera ola y se encuentra enfrentada, desde este mismo año, al mundo de los NFTs (Token No Fungible). ¿Cuál va a ser el futuro del mercado del arte a partir de este momento? ¿Morirá definitivamente —porque ya la hemos matado muchas veces y se empeña voluntariosamente en resucitar— la imagen pictórica? ¿Abandonarán los artistas sus lápices y brochas, sus acuarelas, óleos o acrílicos y se sumergirán en el proceloso mundo de los ordenadores? ¿Qué relación guardarán estas imágenes con sus propietarios, sus usuarios y con los espectadores en general? ¿Toda obra digitalizada es una obra digital?
El año que viene, si me quedan ganas, iremos viendo cómo transcurre el asunto.
Arturo Caballero Bastardo (Villanueva de los Caballeros, Valladolid, 1955) es profesor, historiador y crítico de arte, facetas que ha compatibilizado con otras actividades relacionadas con la organización escolar. Autor de diversos artículos científicos (Un itinerario místico por el Cosmos, 1988), estudios sobre pueblos palentinos (especialmente Dueñas, 1987 y 1992), sobre la pintura del siglo XIX en esa provincia, organizador de exposiciones (Eugenio Oliva, 1985; Casado del Alisal y los pintores palentinos del siglo XIX, 1986; Asterio Mañanós, 1988; Ecos de un reinado. Isabel la Católica, los Acuña y la villa de Dueñas, 2004), ha publicado manuales escolares para las editoriales Edelvives y Epígono. Por encima de todo, se ha interesado por las más diversas perspectivas del arte contemporáneo: organizador de ciclos y conferenciante (Fundación Díaz Caneja de Palencia, Museo Patio Herreriano de Valladolid), cursos de formación y actualización didáctica para profesores, comisario de exposiciones de jóvenes artistas. Como culminación de toda esta actividad, en 2007 se publica profusamente ilustrado Arte contemporáneo. Castilla y León, manual que se distribuyó a todos los centros educativos de dicha comunidad y que es posible visitar en versión web en el portal educativo de la Junta de Castilla y León. En la actualidad, y en colaboración con la Facultad de Filosofía y Letras de la Universidad de Valladolid, coordina un proyecto de la misma Junta: el Bachillerato de Investigación/excelencia en Artes del IES Delicias de Valladolid. En 2021 ha publicado en Trea Arte y perversión: apuntes para una poética de la sociedad satisfecha.
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